[Impresiones] Beelzebub

El pasado mes de abril, coincidiendo con el final de Bleach y Gintama, entre muchas otras series, se puso punto y final a "Beelzebub". 

Tengo que confesar, que cuando empecé a ver la serie esta no me agradó, y fue a partir de una charla por twitter cuando decidí retomar su visionado. Poco a poco la serie me fue enganchando más de lo que esperaba tras ese primer intento. Creo que fue a partir del 10mo. episodio cuando empecé a apreciar realmente la producción. En realidad, podríamos considerar que la serie posee un ritmo más pausado que muchas de las producciones a las que tenemos acceso actualmente, esto podría venir marcado por la intención de desarrollar una serie prolongada en el tiempo. 

Sin duda se trataba de un proyecto de larga duración, como los dos mencionados anteriormente, o como Naruto, Dragon Ball, etc. "Beelzebub" al igual que todas estas producciones, tiene todos los ingredientes para convertirse en una serie longeva de éxito, y posiblemente esta fuera la intención de los productores. 

Uno de los principales problemas que se encontraría "Beelzebub" para convertirse en una serie longeva es la proximidad con el manga. Este problema esta presente en las dos series recientemente canceladas, y podría encontrarse detrás de la cancelación de "Beelzebub". Otras series que poseen una temática parecida a estas producciones, y que por lo tanto podríamos considerar que poseen los ingredientes para ser una serie de larga duración, han optado por realizar una producción con un número de episodios limitados, como sería el caso de "Ao no exorcist", cuya producción se limitó a 26 episodios. 

Los capítulos de relleno (Esos episodios temidos y odiados por los seguidores de muchas obras de anime) se han notado irremediablemente al final de la serie, acusando la falta de la trama principal, y una narración más seria. 

Otro de los elementos que podría encontrarse detrás de la cancelación de la serie, es la ya conocida Ley 156. Es indiscutible que "Beelzebub" no cumple muchos de los criterios que recomiendan hacia las producciones de manga y anime: Un niño constantemente desnudo, un adolescente violento como protagonista, la "promoción" de la violencia, la homosexualidad, etc. Aspectos que bajo la citada ley, no tendrían que mostrarse tan abiertamente. 

Personalmente, creo que el peso de la cercanía con el manga, además de los posibles problemas que la producción podría acarrear han avanzado la cancelación de la serie de anime. Por el momento no existen producciones en la agenda (más allá de los especiales de los diversos DVD's), aunque quedamos a la espera de nuevos anuncios.

¿Vosotros que opináis de la cancelación? ¿Qué os ha parecido la serie? ¿Creéis que existirá una segunda temporada?

Por Iván Rodríguez

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[Impresiones] Saint Seiya Omega episodio 4 service y más service

Como decía Misato Katsuragi en cada avance de EVA: 

"Service, service!"

Determinar las intenciones de una producción es algo fundamental en la fase de preparación del producto, pero también es una de las bases sobre las que se sustenta la apreciación crítica, la opinión informada o la reacción con conocimiento de causa. Esta visión del término se ajusta a la necesidad de fijar un norte y un pilar respectivamente; pero qué sucede cuando en el caso de la recepción, es el conocimiento previo el que ensucia la evaluación. Saint Seiya Omega lleva ya cuatro episodios estrenados y aún parece que hay espectadores que no quieren reconocer la orientación del último producto de la franquicia de los santos de Athena. Como mencionamos en el post sobre el episodio anterior, la expectativa fue dejada en alto, casi tan arriba como con el primer episodio; y es que la promesa de conocer a una extensión directa de la serie clásica a través de la descendencia – hablamos de Shiryu y Ryuho por su puesto – los niveles de fanatismo, entiéndase fanboys de la serie y de Shiryu – después de todo es el más popular de los cinco de bronce en Japón – se dispararon hasta las nubes (o hasta el Olimpo para estar más a tono). Hemos mencionado que esta temporada tiene un alto componente de uniformidad en cuanto a títulos buenos, interesantes o cuando menos correctos; no obstante, habría que preguntarse ¿Omega realmente está dentro de ese grupo? Este cuarto episodio nos puede dar la respuesta (pese a que algunos ya tienen un juicio desde el primer episodio). 

Como siempre,este Pegaso no se entera de nada

Aún como parte de la introducción obligatoria de personajes y la expansión de contenidos sobre los mecanismos que conforman el universo de la serie, este episodio se centra en un personaje en concreto, Ryuho, hijo del legendario caballero del dragón, Shiryu. Este nuevo calificativo que sustituye las cualidades de personalidad o armadura usadas en la serie original – Seiya antes de ser conocido como un mata dioses fue famoso por vencer a Misty, a Shiryu se le conocía por poseer el escudo y puño más poderosos, Hyoga era famoso por ser capaz de hacer tumbas de hielo; Ikki por ser inmortal y Shun por su bondad/flaqueza dependiendo del enemigo – se va usar como un recurso de mitificación y distanciamiento; y no solo por la evidente ubicación cronológica sino porque se debe marcar la diferencia de generación y responsabilidades. Siendo esto propuesto a través del grupo de héroes de turno – calco de la serie clásica más su pequeña cuota de género políticamente correcta – la oposición al protagonista se aprovecha de los viejos lazos, ya no para construir la arquetípica relación de rivales (pongamos de ejemplo a Yato y Tenma del Lost Canvas) sino para justificar los valores intrínsecos de la serie: la amistad, la voluntad, el bien y los objetivos dignos. Es por eso que Ryuho no es totalmente el Shun del grupo – es noble, pero sabe lo que quiere, pues su mirada muestra determinación, confianza y hasta una pizca de malicia – sino más bien alguien que aporta un norte más noble que sus compañeros, pues para disgusto de muchos, este Pegaso adolescente tiene más de egoísmo, capricho y necedad que de la tenacidad de Seiya, y por eso necesita de la guía de los demás. 

Esa no es precisamente la mirada del supuesto equivalente de Shun en esta serie, ¿verdad?

Habiendo sido Ryouho entrenado por su padre, era de esperarse la brecha que existiría entre él y sus compañeros de Palestra. Al igual que los herederos de un legado o tradición, su presencia en Palestra es casi tan visible como la de una ojousama de escuela para chicas. No se equivoquen, no nos referimos a su apariencia femenina, sino solo a su popularidad y la carga que representa. Quizás no desarrollen este filón a futuro, pero queda claro que el nuevo dragón es una celebridad, es respetado y reconocido, con justicia, por su talento. Dejando de lado la ligera contradicción sobre el uso de los elementos (Yuna califica de prodigio su uso sin armadura, cosa que Souma hizo en el ep. 2), Ryouho es talentoso, un niño prodigio resultado de ser el hijo de un héroe, de haber sido entrenado por él y por la peculiaridad de ese entrenamiento. Debido a la pérdida de los todos sentidos de Shiryu en una presumible batalla contra Mars, la única forma de comunicación que le queda con su entorno es a través del cosmos, hecho que nos lleva a suponer que su supervivencia depende del séptimo sentido. Esto proporciona irremediablemente una ventaja a Ryuho, que lo arma con la capacidad de entender al oponente y sus intenciones más allá del campo de batalla. Sumado a esto, posee la armadura con el escudo más sólido de entre los bronceados, domina su elemento a la perfección, tiene información de primera fuente sobre los secretos del Santuario y hasta en lo que parece ser un guiño, es capaz de realizar golpes cortantes con la presión del agua, similares a Excalibur. Lamentablemente en un afán de equilibrar las cosas se le agrega una limitación, su condición frágil; esta naturaleza enfermiza lo inhabilita de usar más de una vez su técnica más poderosa, el Rozan Sho Ryu Ha, esto para compensar sus virtudes y tal vez para emular las desventajas por las que pasó su padre al quedarse ciego. 

El gran Shiryu ahora de maestro

Hasta este punto tenemos toda la situación feliz, todo lo interesante del fanservice para los seguidores clásicos, pues no se puede negar que la interacción entre Ryouho y Koga es la misma de Shiryu y Seiya en el torneo galáctico, y muchos de sus reveses son para deleite de los mayores. Quienes somos fans del SS clásico y concretamente del dragón Shiryu agradecemos que esta vez se le haya dado la victoria a su hijo, ya que como mencionamos líneas arriba, este Pegaso no es Seiya, y debe aprender las cosas a la mala, por la fuerza, es un chico con problemas que no maneja bien las emociones y esto peligrosamente lo hace un personaje potencialmente irritante y detestable. Esta nueva incorporación al universo de SS va de la mano de novedades argumentales que se justifican solo por las pretensiones de la producción, el introducir la serie a los más jóvenes. La esperable reacción negativa de los fans ante la existencia de los elementos encontró su más álgido punto con la nueva explicación del sistema de elementos, que compararemos con el de Pokemon, por ser el caso más cercano y conocido. En un presumible afán por colocar cartas, juegos de rol o similares en el mercado, tenemos caballeros que requieren de cosmos y un elemento para sus batallas, estos elementos poseen no solo cualidades sino también un opuesto que los resiste. Así es, existe un sistema circular de agua vence fuego, viento vence rayo, tierra vence agua y fuego vence al aire; con la excepción de la luz y oscuridad, destinados al parecer a personajes buenos y malvados respectivamente. Vamos que es el cliché de toda la vida, pero duele verlo en SS. No solo porque atenta contra las bases de la serie clásica, sino por su evidente uso comercial. Con el diseño de las armaduras de látex, teníamos dudas sobre la venta de las myth cloths, pero ahora ya podemos especular por dónde irá el merchandising. Este sistema no solo es infantil, sino que es antojadizo, pues introduce a los santos a la nueva era (citando literalmente a la serie) ya que se necesita tanto de cosmos como del dominio de un elemento para ser un santo en toda regla – lo que hicieron con el don nadie de Ichi de Hydra provoca una mezcla de risa, vergüenza ajena, malestar e indiferencia difícil de asimilar. 

Menuda presentación la del nuevo dragón, Ryuho. 

Muy bien Toei queremos más service de este tipo

 Todo lo positivo y negativo que enumeramos conforma Omega desde su creación; al partir de un título clásico resultaba difícil escapar a los yerros y las decisiones comerciales, pero era esperable, lo sabíamos. Este episodio es como el primero porque pone en claro el sistema de la serie, uno que ha provocado que ciertos fans antiguos la odien nuevamente. Las nuevas generaciones quizás no tengan mucho con qué comparar y por eso la aceptan como un simple producto más, son los fans antiguos los del problema. Esto no se puede cambiar, juzgamos a todo en base a nuestro conocimiento previo, y el entretenimiento no es la excepción. Omega no es una serie para todos, aunque tampoco me atrevería a decir que “o la odias o la toleras” (porque eso sí, amarla nadie), tiene sus virtudes y pretende cumplir su objetivo. Por el momento me posicionaré en el grupo de aficionados clásicos que la ven no por obligación sino porque quieren saber de la historia, porque están a gusto con los guiños y referencias, por el recuerdo de épocas mejores donde los santos se mataban a golpes y derramaban litros de sangre y porque su valía pasada puede ser reconocida como algo legendario en este universo. Omega no me agrada por lo que es, pero me agrada una pequeña porción de sus referencias, porque con ellas se confirma algo que se sobrentendía o que solo en doujinshis se desarrollaba, el legado de los santos de bronce en el universo de la serie. Estén preparados quienes decidan continuar con la serie, pues ya se ha hecho mención a un torneo de santos, un nuevo debate se abrirá y quizás más seguidores abandonen la serie, pero Omega avanza su propia ruta sin importarle mucho las complicaciones de la coherencia, pues sabe de sus limitaciones, algo que lamentablemente muchos de sus espectadores ignoran.

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[Noticias] Gintama se despide

Con el final de la temporada invernal, muchas series de anime concluyeron sus emisiones, una de ellas fue "Gintama'" continuación de la anterior adaptación del manga del mismo título "Gintama". La anterior serie puso fin a sus emisiones como consecuencia de la cercanía existente entre anime y manga. En el momento en que se anunció la cancelación del anime, su director prometió que volverían una vez que el manga hubiese avanzado, retomarían el anime.

Un año tardó en retomarse la adaptación televisiva de "Gintama". ¿Fue tiempo suficiente como para que la historia del manga avanzase?, puede que un año de descanso no permitiese a la historia original avanzar los suficiente como para asegurar una larga continuidad de la adaptación en anime.

Un año duró la nueva adaptación, tan solo un año después de que se decidiese retomarla, el anime fue nuevamente cancelado. Durante este tiempo hemos podido asistir a una adaptación de Gintama muy fiel a su estilo absurdo, y con un trasfondo crítico basado en la sátira y la parodia. Parodias que podrían complicar su visionado por parte de un público alejado del universo del maga y el anime, ya que existen multitud de referencias.

Entre las diferentes críticas que se realizaron en la serie "Gintama", han existido claras referencias a la ley 156 que afecta al anime y al manga. Un manga y/o anime como "Gintama" posee claros elementos que están en contra de la citada ley, y que pondría seriamente en juego su continuidad.  No en vano, su último capítulo impartió una dura crítica a esta ley.

La aprobación de esta polémica ley, así como la cercanía con el manga, podrían estar detrás de la cancelación de esta serie. Por el momento tendremos que poner en pausa el humor irónico proveniente de "Gintama" y quedarnos a la espera de una nueva adaptación.

Por Iván Rodríguez

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[Impresiones] Nazo no Kanojo X episodio 1

Sras. y Sres. Con ustedes, la novia misteriosa definitiva

Esta temporada es diferente, y lo es en un nivel que no habíamos visto en los años previos, que aun cuando presentaban diferencias frente al mainstream, el fenómeno se limitaba a escasos títulos, insuficientes para delimitar la tendencia de un bloque trimestral completo. Se habla mucho acerca de los títulos post 2005, situando a las series del primer lustro del S. XXI en un limbo, una frontera abierta conectada aún con la gloria nostálgica de los 90’s, a través de signos, temas y diseño casi como un lenguaje de intercambio como el pidgin. Estas series iban un paso más allá en la animación, hacían más uso de lo digital, pero conservaban el viejo espíritu del siglo pasado. Esto es de conocimiento público, las viejas generaciones se lo recordamos constantemente a las nuevas, y estaba claro que hay una barrera infranqueable en ese año. Sin embargo, esto no impediría el tributo, la revisión del pasado y su reinterpretación; no hablamos de rendirle tributo mediante las referencias si no de entenderla a través de la mejor forma, es decir, compartir el espíritu que las creó, la originalidad.

Los hombres las prefieren locas. Al menos yo sí

La decadencia argumental ha pasado por varias etapas y se renueva cada cierto tiempo; a veces es una tendencia y otras veces solo una rareza, pero aún así, se acepta que la calidad de las historias y de la narración decrecen en el presente a merced de la rentabilidad. Esto es completamente lógico y no se discute en una sociedad de libre mercado. No obstante, nos ha tocado una temporada que se opone a esas tendencias y aglomera, quizás como nueva tendencia – el ataque de los deleznables hipsters –, títulos con potencial, interés o genialidad, llevando nuestra afición que por momentos se torna cansina y monótona, a un resort de sorpresas gratas, capaz de convencernos a sumirnos en un viaje sin ataduras por el puro goce de la expectación. Títulos como Uchu Kyoudai, Tsuritama, Sakamichi no Apollon, Zetman, Sankarea y por su puesto Nazo no Kanojo X se conectan con los espectadores mayores inmediatamente y gustan a las nuevas generaciones por su originalidad y compromiso. La solidez de un título es importante, pero su santo grial es cómo se cuenta.

El rostro que nos llevará a la perdición

Nazo no Kanojo X, es una serie basada en el manga homónimo de Riichi Ueshiba, quien editó la historia inicialmente como un one-shot en el 2004, para luego serializarla en la revista Afternoon de Kodansha desde el 2006 hasta el presente. Nos cuenta esencialmente una historia de la pareja formada por Akira Tsubaki y Mikoto Urabe, la chica misteriosa X del título, quienes llevan una relación poco convencional al estar vinculados por la saliva de Urabe. Hasta aquí la premisa, común hasta cierto nivel. La extrañeza, rareza y la ruptura de las convenciones en un título con romance se hace tangible en el tipo de relaciones que se establecen desde las perspectivas opuestas del normal y primerizo Tsubaki y la extraña Urabe – una base recurrente en el anime – con la saliva como agente adictivo. Tsubaki es adicto a la saliva de Urabe y su relación da inicio como un acto de dependencia, casi de inmediato y a la par de la aceptación y fascinación por el mundo que representa Urabe, la estudiante transferida clásica, pero más anormal de lo que usualmente vemos (extraterrestres, mágicas, fantasmas, viajeras del tiempo, etc.). De hecho, a Urabe se la califica de rara, tenebrosa, de aire psicópata, ya que su diseño está hecho para reforzar esa idea (un cerquillo que le cubre completamente los ojos). Esto incita al espectador a asumir los roles dentro de esta ficción, para calzarlos en el sistema de valores propio, y luego tornarlo en algo opuesto, pues aquí lo raro es fascinante, es obsesivo, es un deleite visual y sensorial cuyo umbral es líquido, viscoso y cristalino.

Love is in the Drool

El sexo y sus analogías son las mieles del proceso de crecimiento, es la evolución en fases hacia la adultez, donde los sinsabores son tan importantes como el placer de la exploración propia y ajena. Es un proceso lúbrico, pausado por momentos, pero en esencia demoledor, con ansias y hambre; ese afán demoníaco de querer devorar el mundo, inicialmente para entenderlo, para hacerlo suyo y pertenecer a él. Nazo no Kanojo X apunta a eso en forma de espectáculo, valiéndose de la sorpresa y de la rareza como herramienta. En su primer episodio se introduce una cantidad enorme de simbolismos, doblesentidos, guiños y pretextos para exaltar las reacciones del protagonista fuera de la cuarta pared. De hecho, es un título bastante sensorial, y aunque la fluidez de las secreciones no sean brillantes ni exageradas en cuanto a la animación, son eficientes medios probatorios de la fuerza de su premisa: la saliva como referente sexual, vivo principio activo y pulsante equivalente casi a la sangre para los vampiros del romanticismo.

El burtoniano mundo onírico

La serie cuenta con un diseño peculiar, el trazo utilizado no es de los más convencionales en estas épocas; por el contrario, evoca a esas series de transición de inicio del siglo. En lugar de adaptar el diseño para su animación se decidió respetar el arte del manga original, en una decisión acertada, pues este principio visual es un elemento importante en el conglomerado conceptual de la serie. Incluso el temor o la desconfianza al saber que el estudio a cargo sería Hoods Entertainment (Seikon no Qwaser) prácticamente ha desaparecido, ya que se ha podido comprobar con su estreno que no solo las escenas de fan service están a buen recaudo (el panty shot previo a los tijeretazos es una obligación), sino que el producto total está cuidado al máximo. Buena banda sonora, excelente narración, buen diseño y desarrollo excepcional son palabras que describen perfectamente este trabajo. Sin duda el mérito es de la historia y su manga original, un manga que aunque no ha ganado premios aún, posee el favor de la crítica especializada y resulta la delicia semanal de sus seguidores y ocasionales.

Las mieles del amor

La serie se deja querer (amar con pasión de hecho), envuelve al espectador en un vaivén de sensaciones y secuencias que pueden ir desde el mundo onírico del onanismo de Tsubaki a lo fantástico de la esencia de Urabe y su dominio sobre las secreciones; de las reacciones de Urabe que rozan con habilidades sobrenaturales hasta la estoicidad de Tsubaki-kun; a quien en oposición a los demás protagonistas masculinos de series harem, no le pedimos celeridad porque el espectáculo que representa Urabe se disfruta de forma progresiva, lenta y expectante. La chica misteriosa X, es la novia de la temporada – y no me refiero a esa costumbre de elegir waifus, Urabe es más que eso –, la serie que promete unificar el romanticismo adolescente con tintes sobrenaturales de iniciación sexual con las masas. Sin duda, Urabe es la novia misteriosa definitiva.

... ¡SSSSSSSSSSSSSSSSÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍ!

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[Impresiones] Saint Seiya Omega episodio 3 Bienvenidos a Hogwarts

Bienvenidos a esta su sección semanal de maximun rage sobre Saint Seiya Omega. En esta ocasión, la carta más reciente prometía una variopinta y cuestionable, como siempre, selección capaz de poner en más de un aprieto a cualquier sibarita acostumbrado a las delicatessen de sangre, puños, virilidad y violencia ochentera. Esto, debido a que se nos iba a introducir a un par de conceptos importantes: la ya conocida presencia de los caballeros femeninos y la novedosa idea de Palestra, la escuela de caballeros que reemplazaría, en su función, a la Fundación Kido. Este tercer episodio era importante pues aportaría un nuevo indicador para sopesar la calidad y coherencia de la serie, y pese a que muchos fueron los comentarios negativos, despertaba algo de expectativa ya que se presumía un episodio aburrido, tedioso y dramático; drama del tipo femenino. Un prejuicio por su puesto.

Omega tres (y no es propiedad de lácteo) nos presenta rápidamente a Yuna, aquel personaje femenino insertado a la fuerza y por presión de la demanda imperante en los grupos protagónicos del sentai, y a su vez la aprovecha para vincular a los caballeros y espectadores con el concepto de escuela. Hasta el momento se había hablado de ellos, se había visto a dos o tres, pero ahora pudimos ver a un grupo mayor, y lamentablemente no es nada de lo que presenciamos anteriormente en el SS clásico. Sobre Yuna podemos decir que la recepción ha sido positiva, una guerrera con capacidades de combate destacadas, de estilo diferente y visualmente llamativo (estilo table dance LOL), y con una personalidad voluble y noble como el viento, de alguna forma iba a lograr conquistar a muchos espectadores. Sin embargo, su diseño sigue siendo el principal problema. Incluso habiéndonos acostumbrado a los bocetos previos, sus secuencias de acción son bruscas, no fluidas, la composición de su indumentaria de mahou shoujo contrasta radicalmente con la premisa de armaduras, incluso más que cualquiera de las nuevas armaduras de látex. Hecho curioso, pues en este episodio se mostraron en una remembranza explicativa, verdaderas armaduras. Aún así, Yuna ha logrado atrapar a algunos fans, en un hecho más que curioso, pues si ahora hay que destacar algo de Omega es que la gente la odia cada vez menos, y la quiere más y más en una ¡inconcebible falta de cordura! De acuerdo, exagero, hacia el final del texto sabrán por qué.


Quizás lo más chocante sea la introducción de Palestra, y es que si el concepto en sí no era lo suficientemente descabellado, ahora lo han convertido en más que un símil de Hogwarts, sí, la escuela británica de formación mágica en el universo ficcional de Harry Potter. Esta escuela es invisible a la vista de los simples muggles, solo admite a los santos una vez prueben su valía, es un castillo en toda regla que está rodeado por un lago – sin calamar gigante – y hasta posee un pasaje mágico como la estación 9 ¾; ¿debo decir más? Palestra, como todo colegio tiene una plana docente y administrativa, tiene espacios de estudio, y almuerzo, y hasta tiene vacaciones de primavera, sí caballeros, vacaciones. Aquí no hay entrenamiento espartano, ni gente que te acosa cortándote una oreja o estampándote literalmente contra las rocas, aquí hay “bullying”, esa popularizada versión snob y fresa del acoso estudiantil de toda la vida, que ahora necesita de barbarismos lingüísticos de moda para darse a entender. Este concepto falla porque fuerza las cosas. Entendemos que han pasado 25 años luego de la batalla contra Hades, pero la “modernidad” no desentonaba ni cuando existía el torneo galáctico. Un desatino, pues con ese diseño de personajes, y las cosas tan en calma parece que estuviéramos viendo una aburrida escena de colegio, como en Shoujo Kakumei Utena.


Previo a su lanzamiento se nos dijo que la serie complacería a grandes y chicos, y es ahora cuando hacen uso de más cartas nostálgicas, lo cual se agradece de alguna forma, y es que ahora sabemos de los cinco legendarios santos de bronce con cameo incluido – además del reingreso del viejo Geki de oso como maestro. Pero esto no es todo, se habla de medias verdades y se especula al respecto. Se mencionó que Athena permanecía en el santuario al final de las doce casas (un argumento conocido, ¿verdad, Saga?), y que había más de un caballero dorado en el presente. Aún no se ha clarificado este punto, pero con esto ya se metieron en el bolsillo a muchos. La existencia de los dorados y la jerarquía ascendente que se planteó al inicio hace suponer que alguno de los santos legendarios ocupa ese rango, y eso era más que deseable. Por ahora la opción más viable es un Shiryu de Libra o un Hyoga de Acuario, pero ya se verá en el camino. Este tema de las medias verdades también se aplica a la curiosa muestra de “verdaderas armaduras” en la serie. Cuando se explica los rangos de los caballeros de Athena, las figuras que ejemplifican la estructura muestran a las armaduras tradicionales, hecho que ha llevado a muchos a poner en tela de juicio la autenticidad de las armaduras de látex. ¿Armaduras de entrenamiento, nuevas armaduras, rediseño, o simple descuido de la animación y supervisor? Aún no podemos determinarlo, pues tenemos armaduras clásicas como la de Ofiuco y Sagitario con este rediseño, así que me inclino por el descuido, después de todo es una serie para niños y mucha profundidad no hay.


Para finalizar debo decir que Omega me está empezando a sorprender, no necesariamente por algo positivo, pero sí por los recursos de los que quiere echar mano. La nostalgia es un factor a rescatar, pero las ideas originales a veces terminan por empañar lo poco de bueno que se intenta recuperar. Confieso que ahora veo Omega con más interés y ya no por obligación, pero sigo siendo escéptico. El avance del siguiente episodio es tan motivador que puede dejar las expectativas muy altas; hará su aparición Ryuho de Dragón, hijo del legendario Dragón Shiryu y Shunrei. Este nuevo dragón, al parecer el menor de los santos, tiene una condición frágil de salud, pero aquí viene la sorpresa, tiene también un potencial tremendo; de hecho se le menciona como un niño prodigio (Oh, sí, Oh, sí, Oh, sí FUCK YEAH!!!), el hijo de un héroe que está destinado a repetir el encuentro violento con el nuevo Pegaso. Queda ver cómo manejan esta situación, pero con estas cartas, Omega gana mucho y logra que los viejos fans continuemos viéndola.

Muy bien jugado Toei (I’m watching you).

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20 años con Shin-Chan

Un 13 de abril de hace 20 años se retransmitía en Japón el primer episodio de una serie mítica de la animación de los últimos años, "Shin-Chan" o "Crayon Shin-Chan". 20 años en antena cumple esta polémica serie que, por el momento, no posee fecha para su conclusión.

Son muchas las críticas que se han realizado en contra de la producción, tanto dentro como fuera de Japón (en España se encuentra entre las producciones que acumulan más reclamaciones). Lenguaje obsceno, contenido no apropiado para el público infantil, etc. son la justificación de las diferentes asociaciones, críticas que no permanecen ajenas a en la producción, ya que en un ejemplo de auto-citación, dentro de la serie se crea una producción de animación con idéntico nombre y con las mismas características y críticas que el original. Metalenguaje que nos sirve para realizar una autocrítica, no sólo interna sino externa.

Pero las presiones de las diferentes asociaciones pidiendo su cancelación no han sido el único obstáculo a superar por la serie, sino que en 2009 el autor del manga fallecía tras haber entregado dos capítulos del popular manga. La serie continuó editándose, siendo ahora realizada por un nuevo autor, y al creador original Yoshito Usui se le realizaron una serie de homenajes, entre ellos uno en Kasukabe ciudad donde se sitúa la acción del manga de la serie (y hogar del autor).

A pesar de las críticas, los elogios también le han llegado a la producción, como el de la ciudad de Kasukabe, donde se le otorgó el certificado de residencia a Shinnosuke (aunque no es el primer personaje animado que lo recibe).


Entre las anécdotas, destacar la gran impresión que se llevó Usui tras descubrir el éxito que cosechaba su producción en tierras españolas, donde se han llegado a estrenar varias de sus películas en la gran pantalla. Como agradecimiento al público español, Usui realizó una serie de episodios de Shin-Chan centrados en España, haciendo que la familia Nohara viajara hasta este país.

20 años dan para muchas anécdotas y datos. Críticas realizadas y recibidas, elogios y desprecios, etc. por el momento, y con motivo de estos 20 años, se realizará una película conmemorativa, mientras ésta llega a nuestras manos, tendremos que seguir riéndonos con Shin-Chan

Por Iván Rodríguez

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[Impresiones] Saint Seiya Omega episodio 2

(Léase este párrafo con la voz impostada de Raúl Espinoza y la melodía introductoria del resumen de la serie clásica) En el episodio anterior, los fans tras haber presenciado el estreno de SS Omega fueron invadidos por la desesperanza al percatarse de la traición de los productores de la Toei. Sus malheridos miembros, abatidos por los embates sacrílegos yacen ahora en el suelo y algunos de ellos han quedado inconscientes. Solo un puñado de jóvenes ha logrado levantarse tambaleante y haciendo arder su cosmo, se preparan a elevar sus puños nuevamente para defender el honor de Athena y los cinco de bronce. Hoy presentamos: La traición del emperador Kurumada y los santos de la desesperanza.

Empiezo esta reseña de forma tan poco ortodoxa y con una broma tan mala porque no me puedo tomar totalmente en serio todo lo relacionado a SS Omega. Entiendo perfectamente cómo los viejos fans rabiosos continúan quejándose de la serie, pero también entiendo a los que la toleran e incluso la disfrutan. En ambos casos, obviamente, me refiero a los espectadores de mi generación, ya que la recepción de la serie entre los jóvenes de ahora es, o poco clara, o tibia. Con este segundo episodio de Omega nos queda claro que la producción es transparente, hizo lo que realmente esperábamos, tomó una vieja serie clásica, y no la adaptó a los tiempos modernos, sino que se valió de su fama y principios para crear un nuevo producto. Está claro que el nicho de mercado está allí, los nuevos espectadores y los viejos, quienes por nostalgia o furia la verán sí o sí. Podemos decir entonces que fue una excusa en cierto grado – y se le da un margen por haber tenido en sus inicios a personas importantes en su planeamiento (Araki, Umakoshi y hasta Kurumada como padrino).

Fuera de la épica que por momentos se presentó en el primer capítulo, este episodio tuvo una mezcla de momentos buenos y flojos. Hasta cierto punto, casi en todo el primer tercio, se respiraba la vieja esencia de la serie; aun cuando hablamos del típico capítulo de presentación de personajes y aprendizaje de las normas que rigen el universo de la serie, había algo de nostálgico. Sea la idea del viaje, Tatsumi preocupado e inútil como siempre, Shaina sin máscara (Oh, sí, oh, sí, megasuperarchiultraMILF!!!), Saori desaparecida, los duelos y la victoria de turno, por momentos hacían pensar que realmente la serie no podía ser tan mala, y que quizás podía encaminarse como un spin off, decente, pero no. Todo intento de efectividad se queda a medias, se disuelve en los minutos siguientes y termina por volverse un episodio aburrido, con un cierre más que desolador, la tan temida escuela de santos – en mis tiempos los mandaban a Rozan, Siberia, Grecia o la Isla de la Muerte (vale, había un poco de “toqueteo” con Esmeralda, pero lo demás eran lágrimas de sangre).

Veamos, lo peor en este capítulo continúa con los temas relacionados al diseño y a los cambios de fondo. No obstante, es algo con lo que tendremos que lidiar hasta el final (aunque en el SS clásico los personajes padecieron de una considerable pérdida de peso con el correr de las temporadas). La secuencia de Souma, el león menor (el leoncillo…LOL), es más dinámica que la de Pegaso, y eso la hace, incluso por sobre el sonido metálico de su adhesión, una transformación mágica. También, la desafortunada adición de las clothstones tiene un paralelo atroz con la asignación de elementos al cosmos y su ascensión a principio fundamental. ¿Es en serio? Entendemos que en los cinco protagonistas de bronce se haya podido asociar a las técnicas la acción de algunos elementos, pero y qué pasa con caballeros del tipo físico como el unicornio (pues creemos el elemento rodilla, patada, pie, total si hasta en Sekirei hay una del tipo ¡puño!). La rueda de los elementos que parece regir a todos los santos ahora evoca un vago recuerdo del reloj de la torre de las doce casas. ¿Se pretendía reemplazar ese icono? No, tan solo se ha creado un universo donde todo tenga una mejor explicación y sean reconocibles los roles de los personajes con elementos, colores, personalidades como en todo anime para niños. Lo cual no es malo, pero ya dice bastante de la serie.

El villano de turno es malvado, rapta a Athena y acaba con su propio soldado finalizada su utilidad, su diseño lo hace menos humano y es más una presencia irreal, incluso fuera de lugar en la serie; una que incluso brindó en antaño espacio a personajes deformes y poco agraciados. ¿Que la lucha en la oscuridad recordó a la pelea de Shiryu contra los dos dragones negros del manga? Falso, porque esa situación es muy común en el planteamiento de personajes con ventaja y asociados a la oscuridad o maldad. El pasado de Souma es un claro ejemplo de cómo se va a manejar la emotividad y las motivaciones ocultas de los adolescentes, pues ahora más que nunca parece que ya no son guerreros con una sola motivación, sino personajes con emociones y pasado trágico/oscuro/triste como los de Lost Canvas. No negamos que sea solo una excepción, pero recordemos que Kouga ya estuvo EMOtivo en plan Shinji (“nadie me entiende”, “¡no quiero ser caballero!”). También, fue extraño ver cómo Souma duda de sus habilidades y se emociona al vencer a su oponente como si fuera su primera batalla, algo casi inconcebible frente al temple y voluntad de Seiya y compañía.

En resumidas cuentas, tenemos un episodio clarificador, que confirma nuestros temores. Aquellos que esperaban ver más de Saint Seiya, ya pueden deshacerse de sus esperanzas, pero si pueden verla como otra serie pueden salir hasta satisfechos con un show promedio que busca entretener. Las comparaciones son odiosas, pero aquí son necesarias, no la podemos juzgar con base a prejuicios, tan solo por sus aciertos y yerros. Insisto, Omega no es SS, no pretende serlo, somos nosotros quienes decidimos rabiar por no encontrar lo que buscamos. Si tanto nos preocupa la trama original, regresemos al manga; Omega es válida, es convencional y de hecho no es lo peor de su temporada. Es más, aquellos acostumbrados al fan service y ecchi tendrán su recompensa en el siguiente episodio con el pole dance de Yuna y su actitud de ojousama; perfecto complemento de la Palestra, aquel colegio de santos donde duros dramas de acoso y slice of life nos esperan… wait… WHAT!!! Es broma (ojalá). Solo queda seguir viendo Omega y comprobarlo, así que menos drama y a ser más tolerantes, o simplemente desinteresados con un producto de mero entretenimiento.

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[Noticias] Segundo ciclo de anime en Madrid

Este jueves arranca el segundo ciclo de anime en la capital de España. Madrid acogerá un ciclo con 4 películas de anime. El ciclo se celebrará los próximos cuatro jueves (los tres últimos jueves de abril, y el primero de mayo), siendo "Akira" la primera obra en proyectarse.

En el ciclo además de este clásico, se podrá disfrutar de "Colorful", "El verano de Coo" y "FMA: La estrella sagrada de Milos". El precio de las entras (las cuales ya se pueden adquirir) es de 3 euros, existiendo una modalidad de 10 euros, con la cual además de la entrada se obtendrá el DVD de la película.

La película que inaugura este ciclo es todo un clásico del anime "Akira". La película de 1988 es una de las obras claves para entender la animación japonesa, y supuso la consagración de Ôtomo como director de anime de forma internacional. El éxito de esta película supuso una renovación para la animación en general, y no sólo en el ámbito del anime.

Se trataba de una animación para adultos, en la época en que apenas existían en occidentes ejemplos de animación para adultos. La pasión con la que se recibió el film perdura a día de hoy (cuando posee la categoría de película de culto), llegando a querer realizarse un remake en Estados Unidos, cuyo estreno estaría previsto para 2013.

Una historia post-apocalíptica cautivadora e integrante. La historia original proviene de un manga del mismo director, quien llevo a la gran pantalla su historia, en la que fue la película de animación más cara de la historia.

No te pierdas la película "Akira" este jueves en el cine Proyecciones.

Aquí podéis disfrutar de toda una reliquia, el trailer de la película en su estreno en España.

Si aún no has visto este clásico, esta es tu oportunidad de disfrutarlo en pantalla de cine, y si lo has visto, disfruta nuevamente con el, en un formato que en escasas ocasiones se podrán disfrutar.

Todo ello de la mano de Cinesa y Selecta visión.

No te pierdas la película "Akira" este jueves en el cine Proyecciones.

Fuente: Ramen para dos

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[Impresiones] Uchuu Kyoudai episodio 1

Cuando hablamos de los estrenos de cada temporada, sea el año que fuese, luego quizás del 2005, poco o muy poco de novedoso tenemos; y rabiar al respecto es, por más que parezca paradójico, un ejercicio ocioso. Sí, enarbolar argumentos y análisis sobre el por qué de la baja calidad de las producciones o su abuso constante de clichés es hasta inocente, pues no hace más que clarificar que el redactor no tiene mucha noción de lo que realmente pasa en el mundo del anime de estos tiempos y de lo que se encargan los creativos, marketing y demanda nipona. A todo esto, la otra postura de glorificar características, que no géneros (sí, el moe), es tan ridículo como válido, tan aceptable como reprochable, “...et sepultus resurrexit, certum est, quia impossibile” – (así es, el Credo Quia Asurdum, que justifica todo por su incredibilidad o absurdo).

Hallarse con un título diferente no es tan fuera de lo común, está en nuestros planes, lo esperamos; siempre vemos los charts buscando al caballo negro de la temporada, sea por amar el seinen o cualquier género con una valla para los espectadores de menor edad (así clasifican los títulos). En esta ocasión nada es diferente y frente a las series discretas y mediocres, a las vedettes y a las más populares que tuvieron inicios tibios en este segundo trimestre del 2012, tenemos a la que hasta ahora se vislumbra como la mejor serie de la temporada, de acuerdo, al menos tuvo el mejor primer episodio de la temporada (esperemos a los títulos de la sección Noitamina); hablamos de Uchuu Kyoudai.

Uchuu Kyoudai (Los Hermanos del espacio) está basada en el manga de Chūya Koyama, publicado en el 2008, nominado dos veces en el Manga Taisho (2009 y 2010) y ganador del premio a mejor manga en la edición 56 de los premios de manga Shogakugan y Kodansha. Este manga narra la historia de dos hermanos que a partir de una experiencia (al parecer espacial) en su infancia, deciden convertirse en astronautas cuando crezcan. Sin embargo, en la adultez, solo uno de ellos logró realizar su sueño. La historia nos cuenta, desde la perspectiva del hermano mayor, cómo podrá alcanzar esa meta, una, en la que su hermano logró superarlo en el 2025, siendo el primer astronauta japonés que pisaría la Luna.

Terminada la premisa podemos comenzar con este primer episodio realmente delicioso, gratificante, fresco y apreciable desde su inicio. Buen intro, buen opening y ending, buen desarrollo, interesante diseño de personajes, temática atractiva, humor adecuado (mucho más amplio y universal) y esa sensación de tranquilidad, de historia entrañable, una historia en boca de Mutta Namba, el hermano mayor que se lamenta haber nacido en una fecha fatídica para Japón (cuando quedan fuera del mundial de fútbol en las preliminares del 1993); mientras que su hermano menor Hibito, nace durante una victoria japonesa en un torneo de baseball. Este primer episodio nos introduce a la razón que inicialmente regirá sus vidas; haber presenciado un UFO durante una de sus exploraciones en el bosque hace que Hibito decida volverse astronauta y viajar a la Luna, y Mutta para no quedarse atrás decide hacer lo mismo pero hacia a Marte; pues todo hermano mayor, según él, debe estar un paso delante.

La historia es simple, pero la forma en la que se cuenta es lo que hace la diferencia, es una serie donde no tenemos fantasía o fan service, solo personajes realistas con una meta viable, que parte por cierto de un sueño de muchos jóvenes del siglo XX, pues seamos realistas, la carrera de exploración espacial luego de Verne era la mayor motivación para que los niños y jóvenes levantaran su rostro añorante a las estrellas. Esa es parte de la magia de Uchuu Kyoudai, es un título que se deja querer por su ambiente y propuesta, claro, tal vez con las generaciones menores no funcione tan bien, pero quienes ya estamos en ese grupo de “adultos jóvenes” la tenemos como un título destacado de esta temporada.

Con este primer episodio no podemos decir mucho sin tener que recurrir necesariamente al manga, pero el juego de la trama oscilará entre las desavenencias por las que tendrá que pasar Mutta para convertirse en astronauta y unirse a su hermano. Este proceso será un filtro por el cual nuestro entrañable héroe espacial, saldrá fortificado y forjado para el éxito, que por cierto no le ha sido ajeno del todo, ya que fue hasta un exceso temperamental (golpeó a su jefe por burlarse de Hibito) un talentoso diseñador para una firma de autos. Este proceso será curioso, ya que es un personaje construido a la vieja usanza, un adulto con apariencia descuidada más en la línea ochentera (cabello crecido y rizado, junto a una barba. Seamos sinceros es un prejuicio pero así funcionan los signos). Así tenemos un título con un primer episodio que, luego de haber visto varios estrenos de esta temporada, sorprendió gratamente. Debe seguirse sin lugar a dudas.

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[Impresiones] Saint Seiya Omega episodio 1

El pasado fin de semana se estrenó Saint Seiya Omega, la nueva versión, spin off, o producto derivado de esa vieja serie ochentera llamada (y recordada, idolatrada, venerada, etc.) Saint Seiya (para muchos países de habla hispana, Los caballeros del zodiaco). Saint Seiya, fue uno de los pilares en el crecimiento de los fans ochenteros y noventeros, tanto en Japón como en el resto de países donde fue popular (casi todo el orbe, menos dos norteamericanos, algunos nórdicos y una muy pequeña porción de asiáticos), es por eso que una nueva serie derivada es/era más que esperable – no contemos a Lost Canvas como un trabajo oficial; siendo realistas, el manga de la cuestionada Shiori es mejor que su adaptación animada, que hace méritos para llamarse fracaso.

Planificada para ser una serie de extensión mediana (aún se especula cuántos episodios tendrá, si 13, 51 o más de ¿200? Algunos foristas sí que exageran), Saint Seiya vuelve de la mano de Toei Animation a intentar capturar nuevos fans con la historia de los santos en su eterna lucha contra dioses que intentan borrar a la humanidad. Esta serie se programó en un horario infantil (domingos a las 6:30am) para cubrir el cierre de la más reciente entrega de Digimon y desde su anuncio evidenció que querían un público más joven, pero que en el camino intentarían contentar a los viejos seguidores de la serie clásica. ¿Podrá hacerlo?, parece que antes de su emisión ya había sido juzgada y ejecutada; ahora, con su emisión, muchas posturas han cambiado del rechazo a la aceptación o a la negación, en efecto, algunos han confirmado su postura y otros (¡traidores!) han terminado por disfrutar de la serie.

Antes de proseguir debo advertir que esta pequeña revisión carece de total objetividad (como ya se notó desde el primer párrafo), pues al haber crecido viendo Saint Seiya me permitiré no ser objetivo voluntariamente, escribir una opinión sin mucho cuidado académico, y plasmar en verborrea furibunda mis impresiones sobre lo que representa Omega para un fan de la vieja escuela; uno versado en estos avatares de la media nipona, pero que también es capaz de comprometerse emotivamente al revisar un título con pasado.


Historia

Esta nueva saga nos cuenta la historia de Kouga, quien será el nuevo caballero de Pegaso y sobre el que poco se sabe (aunque si inferimos por lo visto y todos los rumores, pese a que quieran negarlo muchos, podría ser hijo de Saori y Seiya). Situada 25 años en el futuro de la serie original, los caballeros de Athena tendrán que enfrentarse a Mars y su afán de utilizar a la diosa para apoderarse del mundo. Así, una nueva generación de caballeros, algunos de plata y otros de bronce tendrá que hacer frente a las amenazas divinas (o espaciales).

Esta premisa es la de siempre, solo que esta vez ya no tenemos de protagonistas a los cinco de bronce; por el contrario, tenemos a un Seiya muerto tras salvar a Kouga (o al menos en estado K.O o como no habido hasta que decidan hacerlo aparecer o sacárselo de la manga así como al maestro Aban en Dragon Quest/Las aventuras de Fly). No obstante, profundizar en la historia ahora es arriesgado ya que el argumento podría cambiar, y mucho de lo que se habla es sobre rumores y expectativas, así que por ahora este apartado es un terreno peligroso en el que adentrarse sin evitar caer en el prejuicio. Lo cierto es que tenemos una historia similar, pero con cambios sustanciales que no han gustado, cambios y adiciones reflejados en las armaduras, en los elementos sujetos a cada caballero, en la descendencia del dragón Shiryu, en los villanos, en la vuelta de ciertos personajes, y en síntesis cosas que viejos fans quieren, hecho que entra en conflicto con el objetivo de la serie, que no nos cuenta totalmente como público, y eso es lo que no se entiende o no se quiere entender o algunos ya están muy viejos para entender.

Animación

Está claro que Toei Animation experimenta con esta serie, hay tantas carencias que uno puede llegar a dudar de que sea un producto serio. Es válido preguntarse desesperanzado, ¿son así los animes orientados a los niños de ahora? Parece ser que el ahorro de recursos a merced de la productividad es una constante, y en Omega se critica no solo el cambio de diseños sino lo flojo de su animación. Conocida la característica del anime y sus pocos frames, tenemos aquí que la llamada fluidez ofrecida e inferida desde el inicio del proyecto fue publicidad engañosa. Algo muy común entre los aficionados fue esperar algo similar a lo visto en Casshern Sins, pero no lo tuvimos (era predecible) y no lo tendremos… NUNCA, aceptémoslo.


Los errores más reconocibles son la desaparición de las alas de la armadura de Sagitario, lo poco detallado de los personajes en perspectiva lejana, la falta de coloración (la mano del León menor ¡en el opening!) y los frames perdidos en la secuencia de presentación de Kouga, también en el opening. La paleta de colores es una muy saturada, demasiado intensa, y esa es una característica propia de las series infantiles y/o baratas. Una serie relativamente reciente, y no precisamente barata, también usó la misma paleta, fue Star Driver, pero allí, había una “armonía” de lo casi kitsch con lo fabulous. En Omega, esta coloración junto al diseño solo se ve bien en Saori y Shaina (oh, sí MILFs for the WIN!!! Y eso que la Saori original siempre me pareció un personaje frígido)

Quizás el cambio de las armaduras, su incorporación a gemas y su secuencia coreografiada sea de lo más mencionado hasta ahora, incluso sobre la pereza de crear un antagonista más creíble, y menos galáctico (las bromas y rage sobre Mars y su galactic ass eran la delicia de los fans más “ardidos”). Las armaduras lucen como látex, ya no van en las clásicas Pandora’s Box, no poseen una efigie y de no ser por el sonido metálico tradicional cuando sus usuarios se las ponen diríamos que se adhieren al cuerpo como cualquier transformación de mahou shoujos (no quiero ni ver cómo animan la secuencia del caballero dragón, el nuevo “Shun” del grupo). Concretamente diremos que es animación descuidada, floja, pobre, escasa, “fluida” porque parecen bocetos animados y coloreados, eso sí, por momentos (pero no pocos).

Música

El apartado musical en esta ocasión carece de los elementos clásicos de la serie, es decir, música instrumental que iba desde el corte académico hasta el hard rock. Saint Seiya además de sus tópicos y de su protagonista, de la elegancia de sus peleas, de lo bello de sus armaduras, el diseño de Araki y de todo lo que un viejo fan puede enumerar, destacó por su música, por la épica que era capaz de evocar. En Omega vemos que eso se abandona y no solo es que probablemente resulte costoso de producir, sino que el target, el público objetivo, es otro. Lo repetiremos hasta el cansancio, Saint Seiya Omega no está orientado (totalmente) para aquellos que crecimos con la serie original.


La música aquí pretende ser melancólica, se vale de instrumentos de viento, reales y emulados, por tanto sintéticos y sin fuerza; son mero pretexto de acompañamiento y simplona, a la par que pretenciosa, afección. Esto, sobre la música incidental, el OST o background music, pero hablemos del opening, sí, el sacrosanto y beatificado Pegasus Fantasy, que aunque no tan versionado como Cruel Angel Tesis de EVA, compite en cantidad de ejecuciones oficiales y aficionadas. Esta versión 2012, incorpora voces femeninas y pese a que en suma la serie es defectuosa (de acuerdo, se proyecta como tal, ya que hay un solo episodio emitido), es lo más rescatable. Puede cuestionarse el hecho de que se reciclara un tema a manera de guiño o de que se calcara algunas escenas del opening original, pero vamos, que es Saint Seiya (con arcos tan repetitivos como ninguno), y las líricas, acompañadas de escenas de acción y la melodía de cuerdas con su clásica distorsión (me gustó el nuevo arreglo de guitarra) fueron hasta satisfactorias. De hecho, el opening funciona mejor que el episodio completo.

Los ápices de esta primera entrega son alcanzados con la confluencia de tres elementos: música, acción y nostalgia (Opening, Seiya vs Mars y Kouga vs Mars). Aquí, la prueba de que la música es más complemento mínimo que parte fundamental, pues requiere de otros elementos para intentar reproducir lo expresado en antaño. Sin embargo, está bien, pues es evidente que no pretende ser otra cosa, es una serie barata, defectuosa, se minimizan los recursos, y la música debe cumplir, no ser una exquisita obra magna, es simplemente eficiente, acorde a estas épocas de animes cada vez más planos.

Recepción

Entre los aficionados no ha caído muy bien la serie, y eso porque ha dividido las posturas. Antes de su estreno muchos la odiaron, de hecho la mayoría, y pocos nos contábamos entre el grupo que esperaba su estreno para decidir, pues si bien existía evidencia de que no sería satisfactoria, algo de duda razonable no venía mal. En ese momento el grupo de personas a las que les gustó el diseño era escaso, casi nulo, eran unos parias que vivían debajo de las rocas en las llanuras que son los foros, temerosos de los ataques (con cosmo) de los haters. Ahora que se ha estrenado la serie, nos topamos con la sorpresa de que aquellos que la odiaron no la odian tanto, algunos la disfrutan y aquellos que tratamos de ser metódicos ahora la odiamos. Sí, no me gusta Saint Seiya Omega, es una aberración… no, no es cierto, confieso que en el streaming se veía ligeramente mejor que en la versión HD, pero sigo teniendo reparos con la serie. El consenso es que se le está dando la oportunidad de avanzar a la serie, y ver cómo se desarrolla, recordemos que Saint Seiya era irregular en sus inicios y hasta tenía algo de comedia a la par de lo sangriento.

Conclusiones

Podemos concluir con que Saint Seiya Omega no es canon, es menos oficial que Lost Canvas y a menos que a Kurumada se le ocurra enlazarla con Next Dimension debemos tomarla como un spin off para estas nuevas generaciones. Es una serie que ya no es para los viejos fans, está simplificada y tamizada para gustos diferentes, más contemporáneos y además, es más simple ya que es para niños y “niños grandes”. Saint Seiya Omega merece una oportunidad, pero debe verse como lo que es, no es una continuación directa, es solo una versión alterna de un futuro posible donde lo fabulous prima. Puedes odiarla si eres de esta generación y te gustan los trabajos de calidad, u odiarla más si eres oldfag, pero a fin de cuentas, tenemos que entender que no es una serie que deba ser comparada con la original.

Y yo que quería escribir solo un par de párrafos…

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[Música] Thermae Romae ending cover de guitarra y tabs

Continuamos con los covers de guitarra. Ahora les traemos el ending de la serie Thermae Roman, un título que quizás pasó desapercibido el 2011, pero que merece una oportunidad por su curiosa propuesta argumental. El tema se llama Thermae Roman y es del trío Chatmonchy.

En esta ocasión debemos advertir que la grabación tiene ciertos errores a drede, ya que You Tube silenció el audio en más de una oportunidad por temas de copyright durante la subida. Así que tuvimos que "ensuciar" un poco el audio, añadiéndole crujidos, bajando el volumen del backing track y acelerando la imagen. Esperamos que les sirvan los tabs, ya que la canción vale la pena tocarse. ¡Disfruten!

Tema : Thermae Roman
Anime: Thermae Romae
Banda: Chatmonchy
Versión: Daniel Guerra Caballero
En línea: http://www.youtube.com/watch?v=vJPV5-VFHQ0
Tabs: http://www.4shared.com/office/S4CoEQyu/file.html

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[Impresiones] Chihayafuru

Hace unos días terminé de ver el josei "Chihayafuru". La historia "central es el triángulo amoroso entre los tres protagonistas. Esta historia marcará muchos de los puntos dramáticos de la serie, aunque en esta primera adaptación de la obra los aspectos amorosos quedan en un segundo plano, poseyendo la atracción central el Karuta (deporte de la serie).

Estas series son más propensas en el shônen, como puede ser el caso de "Campeones" o "Hikaru no Go" que también nos mostraba en juego japonés (en este caso el GO). Mientras que en "Chihayafuru" la trama amorosa está siempre latente, aunque no llega a expresarse de forma implícita claramente (salvo en una ocasión cerca del final de la serie), en los shônen la trama central es el enfrentamiento contra un gran enemigo.

Al tratarse de una competición deportiva , en "Chihayafuru" los enemigos a batir se van presentando según se avanza en la serie. En esta primera temporada hemos tenido la presentación de dos grandes enemigos, primero fue la Reina, y ya en el final de la serie se presenta a el Campeón.

El otro gran rival es Arata, quien se encuentra dentro del trío amoroso, y en realidad juega a parte de este, quedando su función de enemigo en un segundo plano.

En el aspecto amoroso, se trata de una producción sutil, son gestos, miradas, actitudes y sensaciones lo que nos muestra la relación existente entre los personajes. El poder de la imagen y la sutileza es lo que mueve los sentimientos en la serie, perdiendo fuerza el discurso hablado sobre este tema. Posiblemente estas características, y la fuerza con la que se presenta el deporte del Karuta, produce que el aspecto amoroso quede en una segunda línea de forma aparente, aunque este aspecto amoroso va ganando fuerza a medida que pasa la serie.

¿Qué os ha parecido la serie? ¿Creéis correcto el planteamiento argumentativo de la serie? ¿Qué otras series conocéis de esta temática?

Por Iván Rodríguez

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